Puesta en escena animacion

Puesta en escena animacion

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Los 12 principios de animación de Disney fueron presentados por primera vez por los animadores Ollie Johnston y Frank Thomas en su libro The Illusion of Life: Disney Animation, publicado por primera vez en 1981. A través del examen del trabajo de los principales animadores de Disney a partir de los años 30, en este libro Johnston y Thomas reducen su enfoque a 12 principios básicos de la animación. Aunque el uso más claro es el de la animación de un personaje (consulta nuestros consejos de diseño de personajes aquí), estas reglas también son una guía inestimable en otros ámbitos, por ejemplo, a la hora de introducir movimiento en tu interfaz con alguna animación CSS. Para verlos en acción, puedes considerar la posibilidad de suscribirte a Disney Plus (más abajo encontrarás una oferta especial del Día de Disney Plus) o probarlos tú mismo con las mejores tabletas de animación combinadas con el mejor software de animación.Disney Plus: Consigue una suscripción mensual por 1,99 $Disney Plus: Consigue una suscripción mensual por 1,99 $.

aplastar y estirar

Puesta en escena: consiste en encuadrar la cámara de la mejor manera posible para captar la acción. Implica asegurarse de que la animación se ha planificado para comunicar mejor el movimiento, el arco del personaje y la historia. En pocas palabras, la puesta en escena es la forma de crear la escena.  Si has animado la escena correctamente, tienes una muy buena idea de a qué debe prestar atención el público en cada segundo. Puede tener lugar en muchos temas de la animación: en la actuación, el tiempo, el ángulo y la posición de la cámara, la ambientación. Control total de lo que el público está viendo en la pantalla. Las cámaras lejanas son buenas para las acciones grandes y los primeros planos son buenos para las expresiones. La acción principal debe estar en el centro de la pantalla o en uno de los tercios. Hay que tener en cuenta el tiempo adecuado, una acción tras otra. A veces es necesario hacer una pausa para dar al espectador el tiempo suficiente para entender lo que está sucediendo en la pantalla. Si hay algún texto, debe ser al menos el tiempo suficiente para leerlo en voz alta tres veces. Comunicar claramente al espectador es apoyar el entorno con pistas con otros objetos y eliminar los que están distrayendo esta comunicación.

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ejemplos de animación por etapas

La palabra Arco se encuentra en varias partes de la oración. Puede ser un adjetivo, un sustantivo, un verbo e incluso una abreviatura. Antes de verlo, ¿qué es el Arco en la animación? La animación tiene doce principios. Entre ellos, uno de los más importantes es el Arco.

Los seres humanos no se mueven en una sola dirección recta. Se mueven en arcos. Del mismo modo, la técnica del arco sirve para que la animación cree esa ilusión de movimiento, por ejemplo, el rebote de la pelota, como se muestra en la ilustración siguiente.

Teniendo en cuenta que la animación es un principio fundamental, los animadores utilizan arcos para crear un movimiento realista. Sin arcos, la animación parecerá rígida y mecánica. Su arco tiene como objetivo añadir una ilusión de vida a un personaje de animación que está en acción.

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Los animadores tienen que ser hábiles y conocedores de los arcos porque la velocidad y el tiempo de un ángulo son muy críticos. Si un arco es demasiado rápido, puede desdibujarse hasta el punto de no ser reconocible, y si es demasiado lento, puede parecer mecánico.

Un buen ejemplo de animación de la historia es El Correcaminos. El movimiento del coyote parece natural. En la época moderna, un buen ejemplo es el de La princesa y el sapo, Tiana en algunas escenas, muestra un movimiento muy fluido que parece preciso.

seguimiento y superposición

La puesta en escena es la forma de dirigir la atención del espectador hacia la toma. Para captar la atención del espectador, los animadores utilizan las poses y acciones de los personajes, su colocación en el encuadre, el fondo y otros elementos de la escena. De este modo, los animadores transmiten al espectador el estado de ánimo, las reacciones y las emociones de los personajes de una determinada historia. La puesta en escena también ayuda a informar al público sobre la narrativa.

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La puesta en escena es una poderosa herramienta del argumento. El animador crea una composición unificada en cada escena. La puesta en escena está relacionada con la actuación, el tiempo y la ambientación. En primer lugar, hay que mantener la atención en lo que realmente importa. Esto puede hacerse por diversos medios, como la colocación de un personaje en el encuadre, el ángulo y la posición de la cámara, etc. Para obtener un buen resultado, hay que atenerse a algunos principios:

Así, el fondo, el primer plano y los personajes deben funcionar juntos y complementarse. Deben expresar la clara intención de sus personajes a través de cada pose o acción. Esto ayudará al público a interpretar con precisión el mensaje que quieres transmitir. Esto es especialmente importante para los vídeos educativos, explicativos, etc.

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